# El pictorialismo

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- Categoría: Fotografía
- Publicado: 2026-08-29
- Autoría: Eneko Sarasola (redacción de Ikusmira)
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El **pictorialismo** es el movimiento internacional que entre 1885 y 1915, aproximadamente, sostuvo que la fotografía podía ser un arte y trató de demostrarlo por el procedimiento de parecerse a la pintura y al grabado. Sus fotografías son blandas, de foco suave, tonalmente restringidas, impresas en procedimientos manipulables —goma bicromatada, bromóleo, platino, carbón— que permiten intervenir la copia con pincel y raspador, y con asuntos tomados del repertorio simbolista y del paisaje romántico. Fue el primer movimiento con conciencia de sí en la historia de la fotografía, con revistas, sociedades, salones y manifiestos, y fue también el que perdió la discusión que él mismo había abierto: la generación siguiente conquistó el estatuto artístico haciendo exactamente lo contrario de lo que él proponía.

El problema de partida es viejo y tiene fecha. En su reseña del Salón de 1859, Charles Baudelaire despachó la fotografía como «la sirvienta de las ciencias y las artes», útil para archivar y para copiar, y advirtió que si se le permitía invadir el terreno de lo imaginario estaría perdida. Ese veredicto, repetido durante décadas, se apoyaba en un argumento de sentido común: si la imagen la produce una máquina automáticamente, no hay intención, y sin intención no hay obra. La respuesta pictorialista fue aceptar el argumento y darle la vuelta —si el problema es la falta de intervención, intervengamos— en lugar de discutir la premisa. Ahí está a la vez su fuerza y su límite.

Los precedentes vienen del propio siglo XIX. Oscar Gustave Rejlander presentó en la Exposición de Mánchester de 1857 *Los dos caminos de la vida*, una alegoría moral compuesta a partir de más de treinta negativos combinados en una sola copia de casi un metro de ancho, con figuras que representan el vicio y la virtud a ambos lados de un sabio. La reina Victoria compró una copia, lo que zanjó cualquier duda sobre su respetabilidad, aunque la desnudez de algunas figuras provocó escándalo en Escocia. Henry Peach Robinson repitió el método en 1858 con *Fading Away*, una escena de una joven moribunda rodeada de su familia montada con cinco negativos, y lo teorizó en 1869 en *Pictorial Effect in Photography*, un manual que aplica a la fotografía las reglas de composición de la pintura académica y que fue durante treinta años el libro más leído del oficio.

![Gran fotografía alegórica de 1857 con dos grupos de figuras clásicas a ambos lados de un anciano, bajo cortinajes y columnas](https://ikusmira.org/images/ilustraciones/fotografia/hf-pictorialismo-rejlander-dos-caminos.jpg)

**Los dos caminos de la vida*, Oscar Gustave Rejlander, 1857: una alegoría moral montada a partir de más de treinta negativos distintos. La reina Victoria compró una copia. Es el primer intento sistemático de fabricar con la cámara una obra que compita en el terreno de la pintura de historia — y también la prueba de que, para lograrlo, había que negar casi todo lo que la fotografía hace bien.*

![Fotografía de 1858 de una joven recostada en un sillón junto a una ventana, con dos mujeres y un hombre de espaldas velando su agonía](https://ikusmira.org/images/ilustraciones/fotografia/hf-pictorialismo-robinson-fading-away.jpg)

**Fading Away*, Henry Peach Robinson, 1858, compuesta con cinco negativos. La escena de la muchacha tísica era un tópico pictórico corriente, pero hecha con una cámara resultó indecente para parte del público victoriano: se acusó a Robinson de fotografiar una agonía real. La polémica descubrió temprano que a una fotografía se le exige una verdad que a un cuadro no.*

La otra rama del árbol es la contraria y llega en 1889 con *Naturalistic Photography* de Peter Henry Emerson, médico y naturalista que fotografiaba la vida de los pantanos de Norfolk. Emerson denunció el montaje de Robinson como una falsificación y propuso fundar la fotografía artística en la fisiología de la visión: como el ojo humano solo enfoca con nitidez el centro del campo, la fotografía debía imitar esa jerarquía y dejar ligeramente desenfocado todo lo demás. El «foco diferencial» dio al pictorialismo su rasgo visual más reconocible. La ironía es que Emerson se retractó en 1890 —en un folleto de luto titulado *La muerte de la fotografía naturalista*, tras leer los estudios de sensitometría de Hurter y Driffield, que demostraban que el fotógrafo no controla la relación entre luz y densidad tanto como creía— y renegó de un movimiento que ya no podía parar.

![Retrato fotográfico de hacia 1868 de Charles Darwin de perfil, con barba larga, en penumbra y con los bordes desenfocados](https://ikusmira.org/images/ilustraciones/fotografia/hf-pictorialismo-cameron-darwin.jpg)

*Charles Darwin fotografiado por Julia Margaret Cameron hacia 1868. Cameron trabajaba con exposiciones largas, objetivos poco corregidos y placas con defectos que sus contemporáneos consideraban errores de aficionada; ella los reivindicó como estilo. Sus retratos, treinta años anteriores al pictorialismo organizado, son el argumento más sólido a favor de la tesis del movimiento: que en la fotografía cabe una decisión de autor.*

La institucionalización llegó por escisión. En 1892 un grupo encabezado por George Davison y Alfred Maskell se separó de la Royal Photographic Society de Londres y fundó **The Linked Ring**, una hermandad sin jurados académicos que organizaba su propio salón. En Viena se creó el Club der Amateur-Photographen y en París el Photo-Club de Paris, con su Salon organizado desde 1894 en el modelo de los salones de pintura: paredes cubiertas de tela, marcos anchos, catálogo, jurado de admisión. En Estados Unidos, Alfred Stieglitz —que se había formado en Berlín, había ganado premios en Europa y volvió a Nueva York decidido a levantar allí lo mismo— fundó en 1902 la **Photo-Secession**, nombre tomado de las secesiones vienesa y muniquesa, y en 1903 la revista *Camera Work*.

![Portada de la revista Camera Work con tipografía art nouveau sobre fondo gris verdoso](https://ikusmira.org/images/ilustraciones/fotografia/hf-pictorialismo-camera-work-portada.jpg)

*Portada de *Camera Work*, la revista trimestral que Alfred Stieglitz publicó entre 1903 y 1917: cincuenta números, tipografía diseñada por Edward Steichen y fotograbados al huecograbado impresos con un cuidado que ninguna publicación fotográfica había tenido. Las láminas se imprimían sobre papel japonés y se pegaban a mano. Era a la vez órgano del movimiento y demostración material de su tesis: si la reproducción es una obra, la fotografía también.*

*Camera Work* es el objeto más notable que dejó el movimiento. Cincuenta números entre 1903 y 1917, con fotograbados al huecograbado de una calidad que las revistas de arte de la época no alcanzaban, láminas impresas en papel japonés y pegadas a mano, y textos de Shaw, Maeterlinck, Gertrude Stein. La galería asociada, las «291» de la Quinta Avenida, hizo algo más importante todavía: colgó fotografías junto a Rodin, Matisse, Cézanne, Picasso, Brancusi y arte africano, y presentó a buena parte de la vanguardia europea al público estadounidense años antes del Armory Show. La estrategia de Stieglitz era clara y funcionó: no pedir permiso al mundo del arte, sino construir un circuito paralelo con las mismas instituciones —revista, galería, crítica, coleccionistas— hasta que la distinción dejara de importar.

![Fotografía pictorialista muy oscura y azulada de un estanque entre árboles con la luna reflejada en el agua](https://ikusmira.org/images/ilustraciones/fotografia/hf-pictorialismo-steichen-estanque.jpg)

**The Pond — Moonlight*, Edward Steichen, 1904: un paisaje nocturno impreso en goma bicromatada sobre platino, con capas de pigmento aplicadas a mano que dan el color. No hay dos copias iguales, y ese es el argumento: una fotografía puede ser irrepetible. En 2006 una de las tres que se conservan se vendió por 2,9 millones de dólares, entonces el precio más alto pagado por una fotografía.*

El pictorialismo se deshizo por su propio éxito y por dentro. Hacia 1907 Stieglitz empezó a defender una fotografía «recta» (*straight photography*): nitidez, copia por contacto sin manipular, asunto contemporáneo, ninguna imitación de la pintura. Su fotografía de 1907 *La entrecubierta*, hecha desde el puente de primera clase de un transatlántico mirando hacia el pasaje de tercera, es el documento de ese giro; él mismo la describió como el primer trabajo en el que había buscado una forma —la pasarela, la escalera, el sombrero de paja— y no un sentimiento. En 1916 y 1917 los últimos números de *Camera Work* se dedicaron a Paul Strand, cuyas fotografías de escaparates, cuencos y transeúntes de Nueva York eran la negación completa del foco suave. La revista cerró en 1917 con 36 suscriptores.

![Fotografía de 1907 tomada desde una cubierta superior de un barco, con una pasarela, una escalera y dos niveles llenos de pasajeros](https://ikusmira.org/images/ilustraciones/fotografia/hf-pictorialismo-stieglitz-entrecubierta.jpg)

**The Steerage*, Alfred Stieglitz, 1907. La pasarela blanca que corta la imagen en dos, la escalera, el sombrero de paja redondo: Stieglitz contó que lo que vio fue una construcción de formas, no una escena de emigrantes. Publicada en 1911, es la bisagra entre el pictorialismo y la fotografía recta — y también un buen ejemplo de cómo un fotógrafo decide después qué significa su propia imagen.*

Conviene no leer ese final como una derrota simple. La tesis pictorialista —que la fotografía puede ser arte— ganó; lo que perdió fue su método. La generación de Strand, Weston, Sheeler, Renger-Patzsch o la Nueva Objetividad alemana asumió que el estatuto artístico se conquistaba explotando lo específico del medio (nitidez, detalle, encuadre, gradación tonal) y no disimulándolo, y esa es la posición que la historia canónica del siglo XX convirtió en ortodoxia. El movimiento tampoco murió del todo en 1917: los salones pictorialistas continuaron activos en Estados Unidos, en Japón y en buena parte de Europa hasta los años cincuenta, con centenares de miles de participantes, aunque la historiografía moderna los ignoró casi por completo hasta que Christian Peterson los rescató en los años noventa.

Su legado real está en la infraestructura. El pictorialismo inventó las instituciones con las que la fotografía existe todavía como arte: la exposición con jurado, la revista de referencia, la copia numerada y firmada, la idea de que el positivo es la obra y el negativo solo la partitura, el fotógrafo-autor con estilo reconocible. Que todo eso se creara para defender unas imágenes que hoy parecen empalagosas es una de las paradojas más productivas de la historia del medio: hicieron falta treinta años de fotografías que imitaban cuadros para que la fotografía pudiera dejar de imitarlos.

[La fotografía de exploración](https://ikusmira.org/p/la-fotografia-de-exploracion) – [La fotografía social](https://ikusmira.org/p/la-fotografia-social) – [La Kodak y la instantánea](https://ikusmira.org/p/la-kodak-y-la-instantanea) – [Aura y reproductibilidad técnica](https://ikusmira.org/p/aura-y-reproductibilidad-tecnica) – [Enfoque](https://ikusmira.org/p/enfoque) – [Obra de arte](https://ikusmira.org/p/obra-de-arte) – [La nueva visión](https://ikusmira.org/p/la-nueva-vision) – [La fotografía en color](https://ikusmira.org/p/la-fotografia-en-color)

## Fuentes

- Peter Henry Emerson — *Naturalistic Photography for Students of the Art*, Sampson Low, Marston, Searle & Rivington, Londres (1889)
- Henry Peach Robinson — *Pictorial Effect in Photography: Being Hints on Composition and Chiaroscuro for Photographers*, Piper & Carter, Londres (1869)
- Alfred Stieglitz (ed.) — *Camera Work: A Photographic Quarterly (n.º 1-50)*, Nueva York (1903)
- Ulrich Keller — *The Myth of Art Photography: A Sociological Analysis*, History of Photography, vol. 8 (1984)
- Christian A. Peterson — *After the Photo-Secession: American Pictorial Photography, 1910-1955*, Minneapolis Institute of Arts / W. W. Norton (1997)
- Charles Baudelaire — *Le public moderne et la photographie (Salon de 1859)*, Revue française, París (1859)
- Mary Warner Marien — *Photography: A Cultural History*, Laurence King (2014)

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Cómo citar: Sarasola, Josemari (2026). «El pictorialismo». Ikusmira. https://ikusmira.org/p/el-pictorialismo/
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